Mixando Músicas - Guia Para Iniciantes

De Jideon F Marques

Introdução Como este livro está organizado Conforme observado, a mixagem é um tópico complexo e há muitos aspectos a serem aprendidos. Como tal, organizei o conteúdo deste livro de uma forma que conduz você através dos conceitos subjacentes aos componentes individuais do processo de mixagem, com muitos conselhos práticos ao longo do caminho. Guias para iiniciantes: mixando músicas é composto por 20 capítulos, cada um cobrindo um aspecto importante do processo de mixagem. Esses capítulos estão organizados em seis partes gerais, como segue: Parte 1, Introdução à gravação e mixagem,descreve o que é mixagem e como funciona e ajuda você a entender como ela se encaixa no processo geral de gravação/produção. Parte 2, Construindo seu estúdio de mixagem,orienta você em tudo que você precisa saber para construir sua própria casa ou pequeno estúdio de mixagem. Você aprende como escolher e configurar seu espaço de mixagem, selecionar o hardware de mixagem correto, encontrar o melhor programa de software DAW e escolher e configurar os alto-falantes de monitor corretos. Parte 3, Antes de misturar,descreve tudo o que você precisa fazer antes de começar a mixar. Você aprende como gravar faixas para obter melhores resultados de mixagem, preparar as faixas gravadas para mixagem e planejar seu arranjo musical com antecedência. Parte 4, Criando a mistura,tem tudo a ver com mixar suas faixas gravadas. Você aprende tudo sobre a mecânica do processo de mixagem, incluindo como equilibrar os níveis de suas faixas e posicionar vozes e instrumentos no palco sonoro estéreo. Parte 5, Melhorando a mistura,vai além da definição de níveis para se concentrar na aplicação de efeitos dinâmicos e espaciais, como compressão, equalização, gate, reverberação e atraso. Parte 6, Criando melhores mixagens,apresenta conselhos do mundo real para misturar seus projetos. Você aprende técnicas avançadas como correção de tom, correção de tempo, automação e mixagem para ouvintes móveis. Você também aprenderá dicas para mixar tipos específicos de faixas – vocais, instrumentos e bateria. (Sim, eu sei que a bateria é um instrumento, mas requer uma atenção especial diferente de qualquer outro instrumento.) Há até um capítulo sobre o que acontece quando você termina de mixar. (Alerta de spoiler: está masterizando!) Além disso, incluí um glossário de termos e uma lista útil de recursos de combinação no final do livro. Resumindo, há muito aqui para seu aprendizado imediato e referência futura.

• Idioma: Português
• Editora: Clube de Autores
• Data de lançamento: 23 de set. de 2023

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Mixando músicas - Guias para iniciantes

Mixando músicas - Guia para iniciantes Por Jideon Marques

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Introdução

Como este livro está organizado

Conforme observado, a mixagem é um tópico complexo e há muitos aspectos a serem aprendidos. Como tal, organizei o conteúdo deste livro de uma forma que conduz você através dos conceitos subjacentes aos componentes individuais do processo de mixagem, com muitos conselhos práticos ao longo do caminho.

Guias para iiniciantes: mixando músicas é composto por 20 capítulos, cada um cobrindo um aspecto importante do processo de mixagem. Esses capítulos estão organizados em seis partes gerais, como segue:

Parte 1, Introdução à gravação e mixagem, descreve o que é mixagem e como funciona e ajuda você a entender como ela se encaixa no processo geral de gravação/produção.

Parte 2, Construindo seu estúdio de mixagem, orienta você em tudo que você precisa saber para construir sua própria casa ou pequeno estúdio de mixagem. Você aprende como escolher e configurar seu espaço de mixagem, selecionar o hardware de mixagem correto, encontrar o melhor programa de software DAW e escolher e configurar os alto-falantes de monitor corretos.

Parte 3, Antes de misturar, descreve tudo o que você precisa fazer antes de começar a mixar. Você aprende como gravar faixas para obter melhores resultados de mixagem, preparar as faixas gravadas para mixagem e planejar seu arranjo musical com antecedência.

Parte 4, Criando a mistura, tem tudo a ver com mixar suas faixas gravadas. Você aprende tudo sobre a mecânica do processo de mixagem, incluindo como equilibrar os níveis de suas faixas e posicionar vozes e instrumentos no palco sonoro estéreo.

Parte 5, Melhorando a mistura, vai além da definição de níveis para se concentrar na aplicação de efeitos dinâmicos e espaciais, como compressão, equalização, gate, reverberação e atraso.

Parte 6, Criando melhores mixagens, apresenta conselhos do mundo real para misturar seus projetos. Você aprende técnicas avançadas como correção de tom, correção de tempo, automação e mixagem para ouvintes móveis. Você também aprenderá dicas para mixar tipos específicos de faixas – vocais, instrumentos e bateria. (Sim, eu sei que a bateria é um instrumento, mas requer uma atenção especial diferente de qualquer outro instrumento.) Há até um capítulo sobre o que acontece quando você termina de mixar. (Alerta de spoiler: está masterizando!) Além disso, incluí um glossário de termos e uma lista útil de recursos de combinação no final do livro. Resumindo, há muito aqui para seu aprendizado imediato e referência futura.

O que você precisa para usar este livro

Qualquer aspirante a engenheiro de mixagem pode aprender as técnicas básicas de mixagem em Mixando músicas - Guia para iniciantes. Você não precisa de nenhum conhecimento ou experiência anterior para começar, embora ajude - mas não seja essencial - se você entender um pouco sobre música e conhecer o estúdio de gravação.

Em algum momento, você desejará colocar a teoria em operação, o que significa que precisará de acesso a alguns ou a todos os equipamentos e softwares discutidos na Parte 2. Em particular, você desejará um computador pessoal com seu áudio digital programa de estação de trabalho (DAW) de sua escolha instalado. É o que você precisa para começar a mixar.

Como tirar o máximo proveito deste livro

Para aproveitar ao máximo este livro, você deve saber como ele foi projetado. Tentei juntar as coisas de forma a tornar o aprendizado de como misturar algo gratificante e divertido, usando uma linguagem fácil de entender e exemplos do mundo real.

Complementando o texto principal há uma série de barras laterais que apresentam conselhos e informações adicionais. Esses elementos aprimoram seu conhecimento ou apontam armadilhas importantes a serem evitadas. Aqui estão os tipos de barras laterais que você verá espalhadas pelo livro:

Definição

Estas barras laterais contêm definições de termos relativos a aspectos da teoria musical.

Observação

Essas barras laterais contêm informações adicionais sobre o tópico em questão.

DICA

Estas barras laterais contêm conselhos sobre a melhor forma de usar a teoria apresentada no texto.

Cuidado

Essas barras laterais contêm avisos sobre o que evitar ao ler e escrever música.

A primeira regra da mixagem: não existem regras

Como você pode ver, há muitas informações úteis entre a capa e a contracapa deste livro. (Pelo menos espero que seja útil!) Dito isso, há uma regra geral que você precisa ter em mente antes de começar:

No mundo da mixagem não existem regras.

Ou seja, todos os conselhos e sugestões que você lê aqui e em outros lugares são apenas recomendações. O que funciona para um projeto pode não funcionar para outro. Uma determinada música pode exigir uma abordagem diferente, ou um determinado artista ou produtor pode exigir algo além do esperado. Isso é parte integrante do jogo. Você precisa trabalhar com faixas, instrumentos, artistas e pessoal específicos para aproveitar ao máximo cada projeto que realiza.

Você também descobrirá que cada engenheiro tem sua própria abordagem única –

configurações de equalização específicas, plug-ins e outros itens nos quais eles dependem de projeto para projeto. A maneira como um engenheiro equaliza a caixa será pelo menos um pouco diferente da maneira como outro engenheiro faz isso. Vale a pena buscar conselhos de outros engenheiros experientes – mas depois filtre esses conselhos para seus próprios projetos.

Portanto, tome os conselhos dados neste livro como ponto de partida, uma recomendação geral, uma forma de abordar uma determinada situação. Não é a palavra final, e outros engenheiros provavelmente questionarão alguns detalhes. Tudo bem. Você precisa aprender a fazer suas próprias escolhas.

É hora de começar a mixar

Há muito o que aprender sobre mixagem de música, então vamos começar. Vire a página e prepare-se para aprender!

PAPEL

1

Introdução à gravação e mixagem

Afinal, o que é mixagem? A Parte 1 mostra o que é mixagem e como ela se encaixa no processo geral de gravação/mixagem/masterização. Nos capítulos seguintes, você aprenderá a diferença entre mixagem ao vivo e em estúdio e descobrirá o que um engenheiro de mixagem faz.

CAPÍTULO

1

Compreendendo o processo de gravação

Neste capítulo

•

Uma breve história da gravação de áudio

•

As quatro eras da música gravada

•

As três partes do processo de gravação

A mixagem é apenas uma parte – embora muito importante – do processo geral de gravação/produção. Antes de entrarmos nos detalhes da mixagem, você precisa saber onde a mixagem se encaixa em todo o processo – para entender melhor como ela funciona e por que é importante.

Como a gravação mudou ao longo dos anos

Gravar hoje é um pouco diferente do que era quando eu era criança, nas décadas de 1960 e 1970 – ou mesmo apenas alguns anos atrás. A indústria fonográfica progrediu da gravação primitiva de microfone único direto em acetato, para a gravação em fita de 24 pistas, até as atuais faixas ilimitadas gravadas (e mixadas) digitalmente. O que costumava exigir o aluguel de um estúdio profissional e uma enorme mesa de mixagem (e os altos custos associados a cada um) agora pode ser realizado em um computador pessoal de consumo, no conforto do seu porão ou quarto. Resultados de nível profissional podem ser obtidos até mesmo com os orçamentos mais limitados, o que significa que praticamente qualquer artista pode gravar e produzir seus próprios CDs ou arquivos digitais prontos para distribuição e reprodução.

A realidade é que todas as partes do processo de gravação mudaram substancialmente ao longo dos cerca de 100 anos em que gravamos música. Vamos dar uma rápida olhada em como as coisas costumavam ser, como mudaram e onde estamos hoje.

Gravação antecipada: é tudo mecânico

As primeiras gravações, começando com as gravações inovadoras de Thomas Edison no final da década de 1870, eram todas de natureza mecânica - e todas, essencialmente, direto no disco (ou cilindro). O microfone elétrico ainda não havia sido inventado, então o som era normalmente capturado por meio de uma ou mais grandes buzinas em forma de cone, como o oposto das buzinas de gramofone usadas para reprodução na mesma época. Os músicos tocavam ou cantavam diretamente na trompa, que por sua vez fazia vibrar um diafragma conectado a uma caneta. A caneta então fez um sulco em um meio de gravação macio girando abaixo dela.

As primeiras gravações foram feitas em cilindros de papel alumínio. Gravações posteriores foram feitas em cilindros ou discos de cera. Como você pode suspeitar, o áudio resultante foi decididamente lo-fi, capturando apenas frequências em uma faixa estreita de 250 a 2.500 hertz (Hz). Sem graves graves, sem agudos arejados, apenas o som metálico de médio alcance.

Como estamos falando de gravação direta no disco com uma única fonte sonora (a buzina), nenhuma mixagem foi envolvida. Não houve amplificação no processo, então os níveis de volume foram definidos aproximando ou afastando os artistas da trompa.

Você não podia voltar para regravar partes individuais e não havia como consertar isso na mixagem. O disco ou cilindro captou exatamente o que estava sendo tocado (dentro daquela estreita faixa de frequência), em toda a sua glória não filtrada e não amplificada.

Observação

As limitações desses primeiros métodos de gravação acústica fizeram com que os engenheiros preferissem instrumentos mais altos, como trompetes e trombones, bem como cantores com vozes mais altas. Instrumentos e vozes mais suaves eram difíceis de capturar.

A segunda onda: a gravação se torna elétrica

A era da gravação acústica durou até meados da década de 1920, quando microfones elétricos, amplificadores de sinal e máquinas de corte de disco se tornaram comuns. A Western Electric foi a empresa por trás das inovações que mudaram significativamente todo o processo de gravação.

A invenção do microfone foi a mudança mais importante no processo. O microfone traduzia ondas sonoras em sinais elétricos, que poderiam então ser amplificados, filtrados e balanceados eletronicamente. Com o tempo, os engenheiros começaram a usar vários microfones para capturar grupos maiores de músicos com mais precisão.

A adoção do microfone também marcou o início do surgimento de artistas menos bombásticos. Enquanto o antigo processo de cantar na trompa favorecia

instrumentos e vocalistas de metal, os microfones amplificados encaixavam instrumentos mais suaves na mixagem e também incentivavam performances vocais mais íntimas. (Compare as gravações mais antigas de Al Jolson com o canto mais recente e suave de Bing Crosby; Crosby explorou o calor do microfone de maneiras que simplesmente não eram possíveis antes.)

Igualmente importante, esta nova era de gravação exigiu uma nova classe de profissional, o engenheiro de áudio. O engenheiro misturou sinais (ao vivo) de vários microfones, ajustando os níveis dinamicamente para capturar os melhores resultados diretamente no disco. Pela primeira vez na história da gravação (e gravação), um não-performer assumiu um papel crítico no processo criativo.

Definição

Um engenheiro de áudio é um indivíduo que grava, mixa ou masteriza uma gravação de áudio.

Esta nova gravação elétrica/eletrônica (e a introdução do engenheiro no processo) resultou em uma fidelidade substancialmente melhorada. A faixa de frequência resultante foi muito mais ampla, reproduzindo sinais de 60 a 6.000 Hz.

Infelizmente, a gravação real ainda era mecânica e direta no disco (cera ou metal); a fita magnética ainda estava vários anos no futuro. A máquina de corte de disco criou um disco master que foi então usado para produzir em massa discos de goma-laca ou vinil para os consumidores.

A era magnética: grave tudo

A gravação direta no disco, é claro, tem suas limitações, e a menos importante delas é que você não pode voltar e editar nada. É um negócio único, mesmo que você possa mixar sons de diferentes microfones enquanto grava em tempo real.

Assim chegamos à nossa terceira era de gravação de som – o que muitos apelidaram de era magnética. Começando em 1945 e continuando até a década de 1980 (e ainda hoje em alguns estúdios), esta era se distingue pela capacidade de gravar em fita magnética, o que significava que várias faixas podiam ser gravadas e editadas para criar o produto gravado.

Definição

Fita magnéticaé um meio para gravação de áudio ou vídeo que incorpora um fino revestimento magnético em uma estreita tira de filme plástico.

A gravação em fita magnética foi inventada pelos alemães na década de 1930, mas o início da Segunda Guerra Mundial restringiu seu uso apenas àquele país. Foi só depois da guerra que o cantor, astro do rádio e ávido jogador de golfe Bing Crosby comprou dois gravadores Ampex Modelo 2000 para poder pré-gravar seus programas de rádio e ter mais tempo nos links. Gravadores Ampex semelhantes rapidamente chegaram aos estúdios de gravação da época, e uma nova maneira de gravar música (e programas de rádio, é claro) nasceu.

Com a fita magnética, uma apresentação ao vivo é capturada por meio de um ou mais microfones e depois armazenada magneticamente em grandes rolos de fita de áudio. A fita magnética fornece uma resposta de frequência muito melhorada em relação às tecnologias de gravação mecânica anteriores, proporcionando um verdadeiro som de alta fidelidade.

Melhor ainda, a fita magnética pode ser editada – de forma grosseira, cortando e juntando pedaços de fita, ou de uma forma mais sofisticada, enviando sinais de um gravador para outro, escolhendo quais faixas destacar ou silenciar no processo. Os primeiros gravadores eram mono, mas os modelos posteriores permitiram aos engenheiros gravar primeiro 2, depois 4, depois 8, 16 e 24 faixas em fitas cada vez maiores.

Observação

Mais faixas resultaram do uso de fita mais larga. Gravadores de uma, duas e três trilhas normalmente usavam fitas de ¼ de polegada de largura, máquinas de 4 trilhas usavam fitas de ½ polegada de largura, algumas máquinas de 8 trilhas usavam fitas de 1 polegada de largura (algumas usavam fitas de ¼ de polegada). fitas) e gravadores de 16 e 24 trilhas usavam fitas de 2 polegadas de largura. A chamada tecnologia Sel-Sync (Selective Synchronous) proporcionou a capacidade de gravar diferentes faixas na mesma fita em momentos diferentes, permitindo assim overdubbing sincronizado.

Consideremos os gravadores originais de pista única. Um ou mais microfones foram mixados ao vivo na faixa única, que foi então usada para produzir discos monofônicos ou programas de rádio transcritos (isto é, pré-gravados). Simples o suficiente.

Na década de 1950, os gravadores de duas pistas tornaram-se comuns. Você pode pensar que eles foram usados para fazer gravações estéreo direita/esquerda básicas, mas na verdade, os discos estéreo e os toca-discos ainda não estavam amplamente disponíveis ao público em geral. Em vez disso, muitos engenheiros usaram uma faixa para gravar instrumentos e outra para gravar vocais e então mixaram as duas faixas

em uma faixa para lançamento mono. Isso permitiu que os engenheiros gravassem vocais separados dos instrumentos de apoio (enquanto ouviam a faixa instrumental através de fones de ouvido), proporcionando condições de gravação mais desejáveis para os vocalistas. Em alguns casos, os engenheiros gravaram tudo ao vivo na primeira faixa e usaram a segunda faixa para overdubs.

A Ampex lançou seu primeiro gravador de três pistas em 1960. Esta máquina foi a que os engenheiros usaram para projetos estéreo. Os instrumentos de apoio foram gravados em estéreo nas duas primeiras faixas (direita e esquerda), com vocais isolados na terceira faixa. Esta terceira faixa seria então mixada em direção ao centro para resultados mais agradáveis.

Observação

A maioria das gravações de Wall of Sound de Phil Spector foram feitas em máquinas de três pistas. Ele gravou os músicos de apoio e cantores ao vivo em estéreo de duas pistas e usou a terceira faixa para gravar os vocais principais.

Máquinas de quatro pistas surgiram alguns anos depois. Embora alguns engenheiros se perguntassem o que fariam com aquela faixa extra (três eram suficientes?), eles logo encontraram uso para ela no processo de gravação. Os engenheiros aprenderam a usar trilhas separadas para gravar instrumentos ou seções individuais, em alguns casos dando a cada instrumento sua própria trilha na fita. Considere uma típica banda de rock de três integrantes mais vocais – coloque a bateria em uma faixa, o baixo em outra, a(s) guitarra(s) em uma terceira e os vocais na quarta. Todas as quatro faixas podem então ser mixadas em mono ou estéreo, conforme desejado.

Músicos, produtores e engenheiros logo começaram a clamar por ainda mais faixas para criar gravações mais sofisticadas. Quando a gravação de quatro trilhas era a norma, trilhas adicionais podiam ser criadas misturando duas ou mais trilhas existentes em uma única trilha em outro gravador no meio do processo. Por exemplo, você pode gravar as faixas básicas da seção rítmica na primeira fita de quatro faixas e depois mixá-las em uma única faixa em outra máquina, liberando três faixas para overdubs, vocais, mais instrumentos e assim por diante. O único problema com essa técnica era que ela introduzia uma quantidade considerável de ruído no processo, especialmente quando usada várias vezes em um único projeto. Mas esse foi um pequeno preço a pagar pelo aumento da liberdade criativa.

Observação

Bouncing faixas de um gravador para outro foi como os Beatles criaram alguns de seus maiores sucessos, incluindo Revolver e Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, quando o Abbey Road Studios tinha apenas gravadores de quatro canais. Nos anos de gravação de quatro e oito faixas, esse salto de faixa moveu pelo menos parte do processo de mixagem para a fase de gravação - a pré-mixagem das faixas saltadas foi feita bem antes da mixagem final ser feita.

Os gravadores comerciais de 8 pistas foram introduzidos em 1966 e, em 1970, as máquinas de 16 pistas eram cada vez mais comuns. A maioria dos estúdios mudou para máquinas de 24 pistas quando elas foram disponibilizadas em meados da década de 1970, e foi aí que a gravação em fita analógica atingiu o limite máximo. A maioria dos grandes álbuns do final dos anos 1970, 1980 e início dos anos 1990 foram gravados em máquinas de 24 pistas, o que proporcionou amplo espaço de gravação para vários instrumentos e vocais. Com tantas faixas disponíveis, os engenheiros poderiam dedicar faixas separadas para baterias individuais em um kit de bateria; cada vocalista de fundo no refrão; instrumentos individuais em seções de cordas; e cada pandeiro, shaker e sino de vaca do arsenal do percussionista. Isso levou a sessões de mixagem cada vez mais complexas, já que todas as faixas tiveram que ser mixadas em estéreo para a masterização final.

A necessidade de mixar múltiplas faixas levou à criação de mais um novo cargo de produção, o engenheiro de mixagem. (Isso é separado do engenheiro de gravação, que é responsável pela gravação das faixas originais.) Com tantas faixas gravadas, o papel do engenheiro de mixagem torna-se essencial; é esta nova parte do processo que enfatiza quais tomadas estão incluídas, quais faixas ganham destaque e onde cada instrumento ou voz individual aparece na mixagem final.

Definição

Misturandoé o processo de reunir todas as faixas em um projeto de gravação para fazer uma gravação geral agradável. O engenheiro de gravação administra a placa de gravação e supervisiona o processo de gravação. O engenheiro de mixagem supervisiona o processo de mixagem pós-gravação.

Gravando hoje: é tudo digital

A gravação acústica, elétrica e magnética são processos analógicos. Ou seja, a gravação reflete exatamente o formato da onda sonora original, sem interrupções. Na verdade, se você observar um som típico, de qualquer tipo, usando um osciloscópio, verá uma onda contínua, como a da figura ao lado.

Definição

Uma onda sonora é uma onda física que pulsa no ar, cuja mudança de pressão cria um som distinto. A gravação analógica captura a onda sonora enquanto mantém a forma geral da forma de onda original.

Uma forma de onda analógica.

O primeiro século de som gravado capturou e reproduziu performances dessa forma analógica. O objetivo era espelhar o som original com a maior precisão possível, capturando todas as sutilezas e nuances do original. Tomemos, por exemplo, a era acústica, onde as máquinas de gravação usavam uma trompa coletora de som presa a uma agulha afiada; os sons eram coletados na buzina, que fazia vibrar a agulha, que traçava um caminho em um cilindro giratório de papel alumínio ou disco de cera. A agulha movia-se para cima e para baixo de acordo com a altura e o volume (amplitude) do som, aproximando-se da onda sonora original.

Algo semelhante acontece ao gravar em fita magnética. As cabeças de gravação do gravador reorganizam as partículas magnéticas na fita para se aproximarem da onda

sonora original. É uma reprodução exata – ou tão exata quanto o meio de gravação permitir.

Veja bem, um dos problemas da gravação analógica é que, não importa quão fina seja a agulha ou sofisticado seja o gravador, ele não consegue reproduzir com exatidão a música original. A forma de onda associada à música ao vivo é bastante complexa e possui uma grande faixa dinâmica – a diferença entre as passagens mais altas e mais suaves. Isso significa que mesmo o melhor equipamento de gravação analógico não consegue fazer uma reprodução 100% precisa do original.

Além disso, as gravações analógicas são difíceis de editar. Unir-se no meio de uma onda sonora (ou múltiplas ondas sonoras, em uma gravação multipista) é uma ciência imprecisa e é difícil, senão impossível, alcançar uma faixa na fita e extrair a onda sonora de uma voz ou instrumento individual.

Há também a questão de quantas faixas você precisa trabalhar. A tecnologia de gravação analógica atingiu o máximo de 24 faixas em fita magnética de 2 polegadas.

(Embora você possa saltar faixas de uma máquina para outra ou até mesmo sincronizar duas máquinas para gravar em conjunto - ambas abordagens do tipo Rube Goldberg.) Com artistas clamando por mais controle sobre suas gravações - e querendo gravar vários takes de vários instrumentos - esses 24 faixas muitas vezes não pareciam suficientemente generosas.

Isso nos leva à gravação digital, que é o que usamos hoje. O áudio digital tem uma abordagem muito diferente da reprodução analógica. Em vez de tentar produzir uma imagem exata de um som analógico, o áudio digital utiliza pequenas explosões de informação – bits digitais na forma de 1s e 0s – para representar partes da onda sonora analógica. Quando os bits de informação digital são pequenos o suficiente e quando há um número suficiente deles, surge uma imagem extremamente precisa do som original.

Definição

Amplitudeé a altura da onda sonora; quanto maior a amplitude, mais alto será o som.

Uma forma de onda é um gráfico da onda sonora que ilustra a pressão sonora do sinal de áudio ao longo do tempo. A faixa dinâmica é a diferença entre as passagens mais altas e mais suaves do som na música. A gravação digital representa a forma de onda analógica original como uma série de uns e zeros digitais. Amostragem é o processo de codificação digital de um som.

Todas as gravações digitais são feitas através da criação de amostras digitais do som original, gravadas em fita ou no disco rígido de um computador. Um conversor analógico-digital (ADC) escuta o sinal analógico original e tira um instantâneo digital

da música em um determinado momento. Esse processo é chamado de amostragem e você pode ver como funciona na figura a seguir. Cada instantâneo digital captura uma seção específica do som original.

Observação

A qualidade da gravação digital depende de quantas amostras são colhidas por segundo. Quanto mais amostras forem coletadas (quanto maior a taxa de amostragem), mais preciso será o instantâneo do som original. O outro fator de qualidade é o comprimento da amostra colhida, medido em bits. Quanto menor o tamanho da amostra, mais preciso será o registro.

Com equipamento de qualidade (e software que o acompanha), a gravação digital pode aproximar-se ou por vezes ultrapassar a fidelidade de uma gravação analógica, especialmente quando se considera que o digital permite menos ruído no processo.

(As fitas e os discos têm um nível de ruído inerente – além de um novo ruído ser introduzido em cada passagem pelo processo.)

Amostragem digital de um som analógico.

A grande vantagem do digital, porém, é a sua editabilidade. É muito mais fácil acessar um arquivo digital para extrair ou substituir bits digitais do que editar uma forma de onda analógica em fita. Você pode editar arquivos de áudio digital literalmente bit a bit, o que permite inserir peças de reposição quando alguém atinge uma nota errada, alterar o tom das notas (ótimo para cantores com tom menos que perfeito) e até mesmo altere a duração e o tempo de notas individuais para